Impressum
Gesellschaft für Gestalttheorie und ihre Anwendungen (GTA) e. V.
Geschäftsstelle
c/o Prof. Dr. Dipl.-Psych. Marianne Soff
Erzberger Straße 78, D-76133 Karlsruhe, Deutschland
kontakt@gestalttheory.net
+49 228 214 734 (Dr. Thomas Fuchs)
Vertretungsberechtigter Vorstand:
Marianne Soff (Karlsruhe, Deutschland, Vorsitzende),
Hellmuth Metz-Göckel (Dortmund, Deutschland, stellvertretender Vorsitzender)
Registergericht: Amtsgericht Darmstadt
Registernummer: VR 1527
Inhaltlich verantwortlich gemäß § 6 MDStV:
Marianne Soff (Karlsruhe, Deutschland)
Haftungsausschluss
Trotz sorgfältiger inhaltlicher Kontrolle übernehmen wir keine Haftung für die Inhalte externer Links. Für den Inhalt der verlinkten Seiten sind ausschließlich deren Betreiber verantwortlich.
Die Gesellschaft hat sich bemüht, die Urheber der verwendeten Bilder zu ermitteln. Sollte dies in Einzelfällen nicht gelungen sein, bitten wir um Kontaktaufnahme mit dem Vorstand.
Das Tieranatomische Theater auf dem Campus Nord der Charité ist zur Zeit nur zu Fuß über die Zugänge Luisenstraße, Philippstr. sowie über Hannoversche Str. zu erreichen. Auf der beiliegenden Karte sind diese Zugänge grün markiert. Das Theater ist Gebäude Nr. 3
Die Luisenstraße erreichen Sie per Buslinie 147, Haltestelle „Charité Campus Mitte“.
In der gestalttheoretischen Psychotherapie ist die Wahrnehmung in der Praxis häufig primär auf Sehen und kognitive Analyse zentriert. Dieser Workshop macht diese dominante Zentrierung erfahrbar und eröffnet zugleich Wege, andere Modalitäten – Bewegung, Stimme, Raum, Resonanz – bewusst einzubeziehen.
Teilnehmende erleben interaktive Übungen, in denen die Figur-Grund-Dynamik, Kontinuität und Nähe im therapeutischen Feld unmittelbar spürbar werden. Zunächst wird die Wahrnehmung auf visuelle und kognitive Aspekte gelenkt, um die Ausgangsorientierung sichtbar zu machen. Anschließend erweitern Übungen im Raum, mit Stimme und Bewegung die Perspektive, sodass die Dynamik des Feldes multisensorisch erfahrbar wird.
Theoretische Impulse aus der phänomenologischen Reflexion und der indischen Philosophie dienen als kurze Reflexionsanker. Sie verdeutlichen, wie andere Zentrierungen genutzt werden können, ohne die Realität des Feldes zu verlieren.
Ziel ist es, die eigene Wahrnehmung zu sensibilisieren, die Wirkung der Sehen/Kognition-Zentrierung zu erkennen und andere Modalitäten für therapeutische Begegnungen nutzbar zu machen. Durch die unmittelbare Erfahrung werden theoretische Konzepte der gestalttheoretischen Psychotherapie praxisnah reflektierbar, wodurch die Weiterentwicklung der Wahrnehmung im Feld sichtbar wird.
Sebastian Klotz, Paola Tenchini, Serena Cattaruzza, Walter Coppola, Julia Kursell, Riccardo Martinelli, Savina Raynaud
Taking into account the places and infrastructures that shaped Carl Stumpf’s philosophical thinking, this paper examines how he maintained a balance between his epistemological programme and the experimental and material procedures that he considered from a phenomenological perspective. In pursuing a general theory of judgement and a comprehensive theory of knowledge integrating both the logical and perceptual dimensions of knowledge, he incorporated a wide range of phenomena into his work: sounds produced by musical instruments, speech and musical sounds transmitted through phonographs and telephones, and specially constructed large-scale experimental apparatuses—such as the interference system used to investigate vowel production and perception. He also conducted interactive interview and recording sessions on tonal consciousness with non-European musicians, using tonometers, indigenous and Western musical instruments, and phonographs. The variety of discourse networks—in Friedrich Kittler’s sense of “discourse networks”—and the associated practices of observation and research on which Stumpf drew is remarkable.
The paper argues that this orientation reflects the growing importance of experimental training among scientists in late nineteenth-century physiology and psychology and decisively shaped Stumpf’s philosophical position. It contributed substantially to the modernity of his production of knowledge. This was characterised by rigorous philosophical reflection—logic, metaphysics, eidology, phenomenology, and philosophy of science—combined with a programmatic openness towards all sites at which phenomena were produced, as exemplified by the establishment of research infrastructures such as the Berlin Phonogram Archive. This dual orientation enabled Stumpf to engage with phenomena such as Gestalts and complex impressions in a reflective and empirically grounded manner and to investigate them philosophically. This aspect deserves more attention than it has received to date.
In the concise preface to Sprachlaute (1926)—a work celebrating its centenary this year—Carl Stumpf highlights the central points of this comprehensive investigation, which had already begun in 1913. As Karl Bühler (1927) observed, Stumpf was inspired by the teaching of his first teacher, Brentano, according to whom sensory phenomena constitute merely the “outer layer” of mental life. Yet Stumpf devoted a large part of his research, especially his experimental work, precisely to the study of such phenomena—which may recall Simone Weil’s emphasis on the “roughness” of reality. His Tonpsychologie (1883/90) is a masterful testimony to this endeavour and an indispensable foundation of the psychology of sound and music. No less significant, however, is his work Sprachlaute, subtitled Experimental-Phonetic Investigations, which builds on the earlier work while opening up wider fields of research.
During the terrible years of the First World War, amid the surreal silence of his Berlin laboratory, Stumpf developed and refined countless observations in acoustics; he even succeeded in analysing the components of whispered sounds. In doing so, he advanced phonetic research in the tradition of Helmholtz, while drawing particular inspiration from Wolfgang Köhler’s studies of vowels. The theoretical core of the work is concerned not with the many possible technical applications—from medicine to engineering—but rather with the emergence of so-called “complex qualities”, whose most striking examples are timbres and vowels. On this basis, one may posit a desirable connection between language research and the theory of singing, although—as Stumpf notes—the interest of language theorists in such an unusual investigation cannot be taken for granted. In his Sprachtheorie (1934), Bühler regarded Sprachlaute as the mature masterpiece of the Berlin scholar, who reached the summit of phonetics but did not take the further step towards phonology proper. This contribution addresses these and other related aspects.
This contribution examines how Carl Stumpf incorporates musical composition into his thinking. Its starting point is an observation on melodic motion described in the second volume of his Tonpsychologie (1890). Under the heading “Qualitative Judgements on Composite Sounds”, Stumpf describes the impression that the sound image of various compositions by Beethoven and Schubert is perceived as moving, even though the individual parts in the score do not move. From this point of departure, I pursue three questions: (1) How does Stumpf discuss composite sounds in motion? (2) How does he integrate references to compositions elsewhere in his publications? And (3) how does he draw on his experience as an accomplished violinist? In this way, I hope to clarify, first, how his concept of composite sound relates to that of sonic motion; second, how his earlier observations on composite sounds in music relate to his later concept of complex qualities; and third, how Stumpf generates evidence. My thesis is that the references to Beethoven and Schubert in Tonpsychologie II form part of a development towards producing—rather than merely collecting—evidence.
Carl Stumpf’s intellectual profile has long been overshadowed by his association with Franz Brentano. A closer examination, however, reveals a thinker who drew on a wide range of influences—including Lotze, Ernst Heinrich Weber, and Gustav Theodor Fechner—and combined them into an independent and original philosophy. Among these influences, his relationship to Fechner has received the least attention in the scholarly literature. Stumpf acknowledged Fechner’s decisive role in renewing philosophy through empirical science, and his Tonpsychologie combines methodological elements derived from both Brentano and Fechner. At the same time, Stumpf rejected Fechner’s two-aspect theory of mind and body and criticised its metaphysical ambiguity. Crucially, both thinkers engaged intensively with Spinoza and arrived at related yet distinct interpretations: while Fechner modified Spinozist parallelism by allowing causal interaction between the two series, Stumpf reinterpreted Spinoza from the standpoint of intentionality and viewed the relation between mind and object as an alternative to parallelism. Despite their differences, Fechner and Stumpf thus agree in moving beyond psychophysical parallelism.
The topic of the present call and the venue in Berlin offered an opportunity to read Wilhelm von Humboldt, a renowned Berliner and founder of the host university, in order to highlight some of his fundamental contributions to the study of a living human capacity: language. This capacity shapes our linguistic creativity—particularly our onomatological and lexical creativity—and our interlinguistic competence in such diverse ways that it may be understood as “Gestalt-like”.
An initial contribution is due to the philosopher of language Anton Marty, a pupil of Franz Brentano, the author of Psychology from an Empirical Standpoint (1874).
We also recall Marty’s deep friendship and professional partnership with Carl Stumpf, especially in Prague in the early 1880s, a particularly fruitful and rewarding period for both: Marty as the author of Subjectless Sentences and Stumpf as the author of the first volume of Tonpsychologie (Fisette, 2018).
An empirical perspective marks an important shift in Marty’s work from his original intellectual approach towards one that is more sensory and experiential: from abstraction—the subject of his first unpublished essay of 1867—to imagination, and from conceptual selection to the comparison of sensory features, opening up diverse and stimulating paths towards linguistic symbolisation. [For example, compare the English word “different” with the German “verschieden”: two entirely different meanings for what “carries elsewhere” (Latin dis + fero) and what is “separated” (German ver + scheiden): destination versus origin.]
Following his initial Aristotelian formation, Marty worked in a multilingual environment, namely Prague, where Czech, a Slavic language, displaced the “imperial” German of the Habsburg monarchy—not to mention the metalinguistic engagement with the classical languages learned at school in Switzerland, Latin and Greek, and Swiss multilingualism itself. The theme of Wilhelm von Humboldt’s principal work, On the Diversity of Human Language Construction and Its Influence on the Mental Development of the Human Species (1836), points to different worldviews that foreground various simultaneously occurring features of the same object, event, relation, and so forth, as well as intersubjective communicative exchange.
If this feature—especially Marty’s figurative inner form of language—shapes the signifiers within every historical natural language, another approach contributes to modelling different epistemic paths to the same meaning.
To provide empirical support for the historiographical reconstruction of the theory, numerous structured language datasets, or corpora, will be referenced and presented.
Leitung: Herbert Fitzek / Marianne Soff
In diesem Panel wird die „Berliner Schule der Gestalttheorie“ und ihre Blütezeit im Psychologischen Institut der Friedrich-Wilhelms-Universität in den Jahren 1922-1935 im Mittelpunkt stehen – von Räumen im Schloss, der damaligen Atmosphäre und Zusammenarbeit, bis hin zu wissenschaftlichen und Praxis-relevanten Weiterentwicklungen bis in die Gegenwart.
(alle ca. 20-30 Minuten)
Der Vortrag analysiert die Zusammenarbeit zwischen Erich Moritz von Hornbostel und Max Wertheimer als eine bislang wenig beachtete Konstellation in der Frühgeschichte der Gestaltpsychologie. Im Zentrum steht der 1920 gemeinsam veröffentlichte Aufsatz „Über die Wahrnehmung der Schallrichtung“, der gewöhnlich vor allem als Beitrag zur frühen Psychoakustik oder zur militärischen Schallortung im Ersten Weltkrieg gelesen wird. Demgegenüber vertritt der Vortrag die These, dass die Untersuchungen zum binauralen Hören als paradigmatisches Beispiel einer genuin gestaltpsychologischen Forschungslogik verstanden werden können. Ausgehend vom wissenschaftlichen Milieu Carl Stumpfs sowie den gemeinsamen musikpsychologischen Interessen Hornbostels und Wertheimers – insbesondere Wertheimers Untersuchungen zur Musik der Vedda auf Ceylon – wird gezeigt, dass zentrale Probleme der späteren Gestalttheorie bereits im Kontext der Tonpsychologie vorbereitet wurden. Die Frage nach der Einheit der Melodie führt dabei zu einer allgemeinen Untersuchung relational organisierter Wahrnehmung. Vor diesem Hintergrund erscheinen auch die Forschungen zum Richtungshören nicht als bloße technische Anwendung psychologischer Erkenntnisse, sondern als experimentelle Analyse jener Bedingungen, unter denen aus minimalen zeitlichen Differenzen zwischen beiden Ohren kohärente räumliche Wahrnehmungseinheiten entstehen. Besonderes Augenmerk gilt dabei der sogenannten „Zeittheorie“, den experimentell erzeugten Grenzphänomenen sowie dem Konzept der „wirksamen Basislänge“, das auf die Nichtreduzierbarkeit auditiver Wahrnehmung auf anatomisch-physikalische Gegebenheiten verweist. Abschließend wird die Nähe dieser Untersuchungen zu Wertheimers Analysen des φ-Phänomens herausgearbeitet, um die Bedeutung des auditiven Feldes für eine allgemeine Theorie zeitlich organisierter Gestaltbildung sichtbar zu machen.
Bis heute werden die zentralen Errungenschaften der Gestaltpsychologie traditionellerweise auf dem Feld der Wahrnehmungs- und Denkpsychologie und der Wissenschaftsphilosophie verortet, wie sie unter anderem durch die Arbeiten von Alexius Meinong und Christian Ehrenfels in Graz und Wien sowie Max Wertheimer, Kurt Koffka und Wolfgang Köhler in Frankfurt und Berlin entwickelt wurden. Jenseits der philosophischen Lehrstube und dem wahrnehmungspsychologischen Labor widmet sich dieser Beitrag dem weniger bekannten Feld der frühen gestaltpsychologischen Anwendungsforschung in Deutschland und Österreich im Ersten Weltkrieg und der Zwischenkriegszeit. Jüngere Mitarbeiter des Berliner Instituts wie Hans Rupp, Erich von Hornbostel und Kurt Lewin schlugen eine Brücke vom Labor zur Praxis, entwickelten psychologische Messinstrumente für das Militär und die Industrie und schafften so eine fruchtbare Verbindung zwischen Gestaltpsychologie und der angewandten Psychologie bzw. Psychotechnik, die mit dem Aufstieg des Nationalsozialismus ein abruptes Ende nahm und nach dem Zweiten Weltkrieg nicht wieder aufgenommen wurde.
Der Beitrag schlägt den Bogen zwischen der Berliner Schule der Gestaltpsychologie und den Anfängen der angewandten Psychologie in Zürich seit den 1920er Jahren und verfolgt von dort aus die Frage nach ihrer heutigen Bedeutung. Ausgangspunkt ist die Feststellung, dass zwischen beiden Kontexten keine direkte institutionelle Traditionslinie bestand. Während die Berliner Gestaltpsychologie um Max Wertheimer, Wolfgang Köhler und Kurt Koffka primär als theoretisch ausgerichtete Grundlagenforschung zu Wahrnehmung, Denken und psychischen Ganzheiten etabliert war, formierte sich die Zürcher angewandte Psychologie zunächst im Umfeld der Psychotechnik, der Berufsberatung und der Eignungsdiagnostik und orientierte sich an praktischen Anforderungen von Schule, Verwaltung und Arbeitswelt.
Gerade diese Ausgangsdifferenz schliesst frühe intellektuelle Berührungspunkte jedoch nicht aus. Der Vortrag zeigt, dass sich bereits in der Zwischenkriegszeit strukturelle Affinitäten erkennen lassen, etwa in der kritischen Haltung gegenüber atomistischen Erklärungsmodellen, in der Betonung situativer Bedingungen psychischen Handelns und in einem relational gefassten Menschenbild. Um diese Zusammenhänge zu erfassen, wird der Begriff der „Wahlverwandtschaften“ als heuristische Perspektive vorgeschlagen: Er bezeichnet keine Einfluss- oder Rezeptionsgeschichte, sondern verweist auf begriffliche Näheverhältnisse, die verschiedene Disziplinentwicklungen miteinander verbinden, ohne sie zwingend kausal zu verknüpfen.
Besonders sichtbar werden solche frühen Wahlverwandtschaften dort, wo gestaltpsychologische Konzepte – exemplarisch über Kurt Lewins Feldtheorie – eine Übersetzung in sozial , arbeits- und organisationspsychologische Fragestellungen erfahren und damit für Anwendungsfelder anschlussfähig werden. Vor dem Hintergrund der politischen Brüche der 1930er Jahre und der durch Emigration unterbrochenen Traditionslinien erhalten diese indirekten Anschlussprozesse zusätzliches Gewicht. In Zürich lassen sich entsprechende Entwicklungen insbesondere in der allmählichen theoretischen Erweiterung der angewandten Psychologie beobachten, etwa bei Hans Biäsch, der über eine rein psychotechnische Praxis hinaus ein systematisches, theoriegeleitetes Verständnis angewandter Psychologie vertrat.
Der Vortrag schliesst mit der Frage, was von der Berliner Gestaltpsychologie heute noch für die angewandte Psychologie in Zürich bedeutsam ist. Argumentiert wird, dass sich deren Wirkung weniger in expliziten Lehrtraditionen als vielmehr in grundlegenden Annahmen fortsetzt. In diesem Sinne erweist sich die Berliner Gestaltpsychologie als weiterhin wirksamer – wenn auch zumeist impliziter – Bezugspunkt im Selbstverständnis der angewandten Psychologie in Zürich.
Mein Lehrer Wolfgang Metzger hat die Berliner Schule der Gestalttheorie besucht und durch ihn durfte ich diesen Geist etwas kennenlernen.
Daher frage ich heute:
Was ist von diesem Geist geblieben und versuche eine Antwort auf die folgenden Teilfragen.
Was ist geblieben vom Charme des psychologischen Instituts an der Rosenstraße?
Was ist geblieben von der Leidenschaft für die Anschauung?
Was ist geblieben von der reinen und schönen Sprache?
Was ist geblieben von der universellen Bildung und Belesenheit?
Was ist geblieben von der wissenschaftlichen Bescheidenheit?
Was ist geblieben von der philosophischen Tiefe der Berliner Schule?
Was ist geblieben von der »besonderen Stellung«, welche die Psychopathologie einnehmen sollte?
Was also ist geblieben vom guten Geist der Berliner Schule der Gestalttheorie?
Angelika Böhm (ÖAGP) / Herbert Fitzek (BSP)/ Thomas Fuchs (GTA) / Jüly Incel (BSP) / Julia Rohner (ÖAGP) / Uta Wedam (ÖAGP)/ Pola Zügge (BSP)
Unter den gestaltpsychologischen Konzepten sind die Berliner Schule der Gestalttheorie und die Psychologische Morphologie nicht nur diejenigen, die heute noch wissenschaftlich diskutiert und praktiziert werden. Beide haben therapeutische Ansätze aus sich hevorgebracht, die im psychologischen Beratungs- und Behandlungskontext erlernt und eingesetzt werden. Wir greifen eine Diskussion auf, die vor beinahe 20 Jahren in Miesenbach (Niederösterreich) begonnen hat und die wir im Rahmen der GTA gerne fortsetzen und lebendig erhalten wollen. Für das Panel wünschen wir uns ein offenes Publikumsgespräch zu den konzeptuellen Grundlagen und zur gelebten Praxis beider Ansätze.
Die nachfolgenden Diskussionen können sich an gemeinsamen Verständigungspunkten orientieren:
1) Phänomenologie treiben: sich gemeinsam auf die Spur von sinnlichen Erfahrungen machen; innere Räume erkunden; aufkommende Bilder (bei Klienten / bei Therapeuten) zulassen; Szene beschreiben; mit Bildern arbeiten; Aufgabe, diese Bilder aufzugreifen und zu vertiefen; Bedeutung und Tragweite dieser Bilder verfolgen
2) Gestaltgesichtspunkt im Auge behalten: Prägnanzen bilden; Einsicht als Chance, Klarheit und Übersicht zu gewinnen; zugleich auch Transformationen zulassen; was impliziert das; wo führt das hin; wo kann etwas ausgeweitet, umgewandelt, variiert werden; Verrücken lernen
3) Techniken ausbilden: was heißt das für das konkrete Arbeiten; welche Vorgaben werden eingeführt; wie werden Gespräche gestaltet; was wird als Material genutzt; wie wird mit Rahmenbdingungen umgegangen; was wird von Klienten-/Therapeutenseite eingebracht
4) zentral bei alledem: die therapeutische Beziehung bzw. das gemeinsames Werk als Rahmen für alle im Therapieverlauf aufkommenden Momente: Was heißt das für die Ausgestaltung des Therapieverlaufs und das Verfolgen der Therapieziele?
Alle Punkte sollen nicht streng in dieser Reihenfolge behandelt werden, aber können als Groborientierung für den Verlauf genutzt werden. Die Mitwirkenden sehen ihre Rolle darin, Beispiele aus der Therapie bereitzustellen, die bei Bedarf zu den einzelnen Punkten eingebracht werden.
Literatur:
Beneder, D. (2009). Von Goethes Morphologie zur Psychotherapie. Eine Begegnung mit der Analytischen Intensivbehandlung (AIB). Phänomenal 1/2009, 26-29.
Endres, N. & Salber, W. (2001). Analytische Intensivberatung. Gestalttherapie 15 (2), 59-81.
Stemberger, G. (Hrsg.)(2024), Grundkonzepte der Gestalttheoretischen Psychotherapie. Der gestaltpsychologische Ansatz in der Psychotherapie. Wien: Krammer.
„Kommt ins Offene, Freunde!“
Der freie Geist des Romanischen Cafés
Die 1920er Jahre waren nicht nur wissenschaftlich, sondern auch kulturell eine Blütezeit in Berlin. Neben politischen Kämpfen, den Krisen der jungen Weimarer Republik und bitterer Armut gab es – für wenige Jahre – die Freiheit des Geistes nach dem Ende der Wilhelminischen Zeit, eine unbändige Lebenslust, Vergnügungs- und Experimentierfreude.Das Romanische Café, Zentrum und Zuflucht für Künstlerinnen und Künstler der liberalen und linken Kunstszene im „Neuen Berliner Westen“: Kurt Tucholsky, Erich Kästner, Mascha Kaleko, Else Lasker-Schüler, Ringelnatz, Bertolt Brecht, Irmgard Keun, Elias Canetti, Otto Dix, Alfred Döblin… – die Gästeliste liest sich wie ein Who is Who? des Berliner Kulturlebens in den 1920er Jahren. Und mitten drin: Claire Waldoff, der „Berliner Spatz“.
In unserem Salon „Kommt ins Offene, Freunde!“ zum Abschluss der GTA-Tagung präsentieren wir freche Chansons von Claire… in Gesellschaft von Texten legendärer Caféhaus-Besucher.
References:mit anschließendem Sektausklang
Den Geist einstimmen: Wie Musik das innere mentale Erleben prägt
Innere mentale Erfahrungen beim Musikhören, wie Gedankenwandern und mentale Bilder, haben in jüngster Zeit eine zentrale Rolle in der Musikpsychologie eingenommen. Sie sind bei Zuhörern weit verbreitet, können den Musikgenuss steigern und sich positiv auf die psychische Gesundheit auswirken. Bislang haben sich die meisten Untersuchungen darauf konzentriert, wie sich musikalische Merkmale (z. B. wahrgenommene oder empfundene Emotionen, Tempo) auf die Phänomenologie der Gedanken und Bilder der Zuhörer auswirken. Grundlegende Fragen sind jedoch noch unzureichend erforscht: (_i_) die musikspezifischen Mechanismen, durch die Musik Episoden des Gedankenwanderns ermöglicht, einschließlich mentaler Bilder; (_ii_) die neuronalen Korrelate dieser subjektiven Erfahrungen; und (_iii_) die potenziellen Vorteile solcher inneren Kognitionen für die psychische Gesundheit und Kreativität. Darüber hinaus hat diese Literatur neurokognitive Forschung zum Gedankenwandern nur in geringem Maße einbezogen, was zu einer Diskrepanz sowohl in der Theorie als auch in den Methoden führt.
In diesem Vortrag werde ich einen Überblick über meine jüngsten Arbeiten zu diesen Themen geben, in denen ich neuartige Methoden verwende, darunter Daten aus Hörversuchen in Kombination mit psychometrischer Netzwerkanalyse und Analysen der Gehirnkonnektivität. Ich werde Belege hervorheben, die zeigen, dass Musik innere mentale Erfahrungen und deren zugrunde liegende Gehirn-Netzwerk-Dynamik auf einzigartige Weise prägt, dass der durch Musik und Klänge unterstützte mentale Raum kreative Inkubation fördert und dass durch Musik hervorgerufene Bilder wirkungsvolle, praktische Anwendungen in einer Reihe von Bereichen haben, wie etwa in der Therapie und im Sport.
Gestalt zwischen Wissenschaft und Weltanschauung:
Der Briefwechsel Ehrenfels-Wertheimer (1914–1932)
Der Vortrag unternimmt eine Neulektüre der Entstehung der Gestalttheorie auf der Grundlage des bislang unveröffentlichten Briefwechsels zwischen Christian von Ehrenfels und Max Wertheimer (1914–1932). Im Zentrum steht die These, dass die Differenz zwischen beiden nicht als lineare Weiterentwicklung, sondern als Ausdruck einer grundlegenden Spannung zwischen Wissenschaft und Weltanschauung zu verstehen ist, die im Gestaltbegriff selbst ihren begrifflichen Ort findet. Die Korrespondenz erweist sich als privilegierter Zugang zu den Konstellationen, in denen sich die Genese dieses Paradigmas vollzieht, und erhellt zugleich das von theoretischen Konflikten und institutionellen Dynamiken geprägte akademische Milieu des frühen 20. Jahrhunderts in Prag. Sichtbar werden dabei insbesondere die Schwierigkeiten Wertheimers im Prozess seiner akademischen Etablierung sowie die ambivalente Rolle von Ehrenfels. Im Zentrum der Analyse steht die begriffliche Problematik der Gestalt. Während Ehrenfels den Gestaltbegriff in einem kosmologisch fundierten und auf Weltanschauung hinausgreifenden Horizont entfaltet, bestimmt Wertheimer ihn als strikt empirisch orientiertes Strukturprinzip, das auf die Einheit der Erfahrung zielt. Der Briefwechsel bringt damit nicht nur eine theoretische Divergenz zur Geltung, sondern verweist auf zwei unterschiedliche Weisen, das Verhältnis von Wissenschaft und Philosophie zu bestimmen. Die Genese der Gestalttheorie erscheint so als Resultat einer epistemologischen Spannung, deren Tragweite bis in gegenwärtige Debatten hineinreicht.
Ein Programm zwischen zwei Welten: Carl Stumpf und die Berliner Gestaltpsychologie.
Dieser Beitrag zielt darauf ab, die Besonderheiten von Stumpfs Ansatz und dessen Bedeutung während seiner Tätigkeit in Berlin herauszuarbeiten, die in seiner Ernennung zum Direktor des „Instituts für Experimentelle Psychologie“ gipfelte. Sein Ansatz zeichnete sich durch die Betonung des fruchtbaren Zusammenspiels zwischen philosophischer Reflexion und empirischer Forschung aus. Genau diesen Ansatz übernahmen die Vertreter der Gestaltpsychologie, die ihn in den Jahren der Weimarer Republik weiter vorantrieben. Was jedoch seine Rezeption innerhalb der Philosophie betrifft, stieß dieses Programm auf erheblichen Widerstand. Im Kontext der Weimarer Republik setzte sich zunehmend das Ideal einer „reinen“ Philosophie durch – verstanden als streng philosophische Erkenntnistheorie und als transzendentale Phänomenologie –, die weitgehend frei von einer nennenswerten Auseinandersetzung mit den empirischen Wissenschaften war. Der Beitrag versucht, sowohl die Fruchtbarkeit als auch die anhaltende Relevanz dieses Ansatzes hervorzuheben, wie er von der Berliner Gestalt-Schule in Anlehnung an Stumpfs Modell entwickelt wurde. Neben dieser Kontinuität wird er auch auf Unterschiede zwischen Carl Stumpf und den Berliner Gestaltpsychologen aufmerksam machen, unter besonderer Berücksichtigung von Fragen der Wahrnehmung und des Begriffs der Empfindung.
Carl Stumpf als Epistemologe der Wahrscheinlichkeit
Stumpfs zwei 1892 veröffentlichte Aufsätze zur Wahrscheinlichkeit sind Meisterwerke der Wissenschaftsphilosophie, verfasst von einem großen Psychologen und Philosophen. Johannes von Kries’ bahnbrechendes Werk zur Wahrscheinlichkeit war gerade erschienen. Stumpf entwickelt eine Position, die zwischen den Perspektiven von von Kries und Laplace liegt, und schlägt eine originelle Sichtweise vor, in der psychologische Aspekte eine wichtige Rolle spielen. Sein Ansatz wurde später vom Frequentisten Reichenbach kritisiert, bleibt aber bis heute einer der interessantesten in der Wissenschaftsphilosophie. Fedde Benediktus hat ihn als eine Form des objektiven Bayesianismus definiert. Dieser Vorschlag wird hier untersucht.
Musikalische Gruppen als soziale Gestalten
Kollektives Musizieren in Gruppen ist ein wirkungsvolles Medium für nonverbale Kommunikation, soziale Bindung und kulturelle Weitergabe. Um diese Funktionen zu erfüllen, streben Mitwirkende in der Regel danach, kohärente mehrstimmige Klangstrukturen zu erzeugen, bei denen einzelne instrumentale oder vokale Stimmen ineinandergreifen und gemeinsam hörbare Gestalten bilden.
Meine Forschung untersucht, wie dieser Prozess durch sogenannte „Ensemble-Fähigkeiten“ ermöglicht wird. Diese befähigen Individuen dazu, die Klänge anderer durch antizipierende auditive Vorstellung vorherzusagen, sich kontinuierlich an Variationen in Timing und Intensität durch automatische Synchronisation und bewusste Abstimmung anzupassen sowie gleichzeitig die eigenen und die Handlungen anderer in Echtzeit wahrzunehmen.
Ich werde einen Überblick über Forschungsarbeiten geben, die diese Ensemble-Fähigkeiten untersuchen, und dabei zeigen, (1) wie sie verhaltensbezogen mithilfe kontrollierter Laborparadigmen sowie naturnaher musikalischer Aufgaben erforscht werden können, (2) wie ihr komplexes Zusammenspiel durch computergestützte Modellierung erfasst werden kann und (3) wie neurowissenschaftliche Methoden Einblicke in die zugrunde liegenden Gehirnprozesse liefern.
Insgesamt zeigt diese Forschung, wie Ensemble-Fähigkeiten grundlegende sensomotorische Prozesse mit übergeordneten sozial-kognitiven Faktoren (z. B. Persönlichkeit) verknüpfen und es interagierenden Individuen ermöglichen, das Gleichgewicht zwischen psychologischen Repräsentationen von „Selbst“ und „Anderen“ zu regulieren. Hörbare Gestalten im gemeinsamen Musizieren können somit als Ausdruck sozialer Beziehungen verstanden werden. Das Konzept der Ensemble-Fähigkeiten bietet dabei einen mechanistischen Zugang zu diesen sozialen Gestalten und ermöglicht es, komplexe Muster kollektiven Verhaltens entlang eines Spektrums von messbaren sensomotorischen bis hin zu sozialen Prozessen zu analysieren.
Gestalt in Modern Music Research
In der modernen Musikforschung können Gestalten als emergente Ergebnisse der Interaktion zwischen Individuen und ihrer Umwelt oder als Prinzipien verstanden werden, die unser Verständnis dieser Interaktionen leiten. In beiden Fällen bezeichnet Gestalt holistische Phänomene, deren Eigenschaften sich nicht auf ihre Bestandteile reduzieren lassen. In diesem Vortrag setzen wir solche Phänomene in Beziehung zur Handlungs-Wahrnehmungs-Kopplung, zur Vorhersage und zur Anpassung. Formale Modelle werden als konkrete Theorien zur Interpretation empirischer Daten eingeführt. Dadurch werden holistische Ansätze greifbarer, dynamischer und empirisch überprüfbar.
Zunächst demonstrieren wir diesen Ansatz anhand eines Kausalmodells von Musikpräferenzen, basierend auf Daten einer großen Hörergruppe. Das Modell beschreibt, wie Hörer musikalische Merkmale wahrnehmen und sie mit Verkörperung, Erfahrung und Wertschätzung verknüpfen. Anstatt diese Faktoren isoliert zu betrachten, zeigt das Modell, wie Wertschätzung aus ihrer Interaktion entsteht.
Anschließend diskutieren wir dynamische Systemmodelle auf Basis nichtlinearer Differentialgleichungen. Diese Modelle beschreiben, wie sich Handlungen und Wahrnehmungen im Laufe der Zeit kontinuierlich aneinander anpassen. Ein typisches Beispiel hierfür ist die Synchronisation: Musiker passen ihre Handlungen unbewusst an wahrgenommene Rhythmen an. In Musikensembles fördert diese gegenseitige Anpassung die Koregulation und die Entstehung eines stabilen Tempos. Aus gestaltpsychologischer Sicht lässt sich die resultierende Darbietung nicht als Summe individueller Beiträge allein verstehen. Vielmehr entsteht sie aus der Dynamik des interagierenden Systems und veranschaulicht, wie musikalische Organisation durch die Beziehungen zwischen den Musikern und ihrer Umgebung entsteht.
in alphabetischer Reihenfolge
Since the foundation of the National Folk Ensemble for traditional dance, music and dance in Sofia, Bulgaria back in 1951, composers and choreographers around the country have worked hand in hand. Their purpose was to offer an augmented version of rural folklore through rearranged rural music and re-choreographed rural dance using some classical esthetics codes. Sometimes adding plot, a theme, or even staging pagan customs, artistic directors may have created a closer choreomusical relationship that the audience would easily enjoy watching. Thanks to a recent paradigm for studying relationship between music and dance, or even sound and movement, we intend to study excerpts from Bulgarian staged folklore repertoire in order to see how dance and music are intertwining. To help, we are implementing some of the results of many studies in psychology of music and dance, in the sense of what people can feel while listening so certain features of these two arts. Thanks to that, we postulate that a „close“ or „narrow“ relationship between music and dance is key in engaging the audience into a higher qualitative affective response. Analyzing harmony, dynamics, tempo, rhythm, stage composition, among other factors, we aim to offer a whole artistic study of this kind of staged art in order to give elements of reflexion on how choreographers and composers could better cooperate to offer an even more emotionally moving experience to the audience.
For the infants of paleolithic hunter-gatherers, survival depended on relationships with multiple caregivers (alloparenting). Those relationships potentially influenced all later relationships and behaviors.
The third-trimester human fetus perceives in all senses. Like most animals, it attempts to construct (imagine) its external world from incomplete multimodal inputs, focusing on affordances. The sound of maternal voice and heartbeat depends strongly on her emotional/physical state, which is crucial for infant survival. The same applies to maternal footsteps, synchronized with whole-body fetal movements.
Can that explain the origin of music, defined as song and dance, melody and rhythm? Such a theory is consistent with embodiment, entrainment, and groove. But what about harmony? For centuries, (Western) musicians have passionately explored tonalities, genres, and traditions. But most (Western) music is still based on major and minor triads and scales. Theories of consonance, resolution, tonality, prolongation, stability, function, and emotion can account for structural and functional properties of harmonic tonality, but not its extraordinary resilience.
The fetal inner ear starts to analyze incoming signals. Some five partials of the maternal voice may become audible despite low-pass filtering (e.g., 200 to 1000 Hz). Virtual pitches may be less salient than spectral pitches if harmonic pitch patterns are still being learned. Voiced speech sounds may therefore sound like major triads (3:4:5 or 4:5:6), but only approximately, spectral pitches still being relatively uncertain. Later in life, the sound of prenatal maternal voice in implicit memory is similar to major and minor triads – consistent with their Gestaltqualität (Übersummativität) and spiritual associations.
Ausgehend von einem Schlüsselerlebnis 1974 beim Hören gregorianischer Gesänge entwickelte York Höller sein Konzept der Komposition mittels Klang- und Zeitgestalten. Dieses basiert auf melodischen Keimzellen, deren Proportionen sich analog auf sämtliche musikalische Parameter und auch die Großform übertragen lassen. Höller gestaltet musikalische Strukturen als lebendige, sich organisch entwickelnde Formen und zielt damit auf funktionale Beziehungen von Teil und Ganzem, die eng an gestalttheoretisches Denken anknüpfen.
Das Gestaltdenken Höllers zeigt Parallelen zu Heinrich Schenkers von Goethes Morphologie beeinflusster Schichtenlehre, den Reihentechniken der 2. Wiener Schule oder Stockhausens Formelkomposition. Neben vielen weiteren Einflüssen, von Genforschung bis hin zu Informations- und Kommunikationstheorie, waren Ansätze von Fritjof Capra und Gregory Bateson besonders prägend. Während Batesons Überlegungen die wahrnehmungspsychologische Perspektive auf Gestalten schärften, übernahm Höller von Capra zentrale Begriffe wie Ganzheitlichkeit, Organizität oder lebendes System.
Von Mitte der 1970er-Jahre bis zum Ende der 1980er-Jahre stand die Verbindung von Gestaltkomposition mit elektronisch erweiterten Klangspektren im Zentrum von Höllers Schaffen. Beispielanalysen von Klanggitter (1976/77; rev. 1984), Arcus (1978) und Umbra (1979/80; rev. 1983) verdeutlichen, dass Elektronik hier nicht nur als Moment der Materialerweiterung, sondern als integrales Mittel zur Umsetzung von Gestaltprinzipien wie Prägnanz und Kontinuität produktiv wird. Gleichzeitig zeigt sich, dass Höllers Komponieren mit Klanggestalten weniger auf abstrakte serielle Konstruktion abzielt, als vielmehr auf die Ausarbeitung von Materialeigenschaften, die sich an wahrnehmungspsychologischen Gesetzmäßigkeiten orientieren.
Die „genetischen Codes“ der Klangstrukturen, die sich sowohl deduktiv als Großformen als auch induktiv als Struktur entfalten, bringen so eine organische Syntax hervor, in der Melodik, Harmonik, Rhythmik und Form verschmelzen. Dieser Ansatz eröffnet neue Wahrnehmungsräume, gerade in Bezug auf die intermediale Fusion von akustischen und elektronischen Klängen.
Wertheimer (1923) defined the concept of Prägnanz (well-formedness) by referring to melody perception „in a musical way“. Chopin laid emphasis on highlighting melodic lines in his piano works, according to historical sources. Bringing together these concepts, a study was conducted on how listeners with different musical backgrounds perceived historically informed interpretations of Chopin compositions, and if there was an effect on perception and memorisation of musical Gestalt structures. Excerpts from four piano works were played in a way that highlighted singing (i.e., cantilena) qualities and included more rubato; these were compared to performances of the same music with more emphasis on conventional virtuosity. In a recognition task, participants selected one out of three melodic motives that matched the original piece best. Using a between-groups design, the historically informed cantilena style resulted in higher judgments of the Gestalt dimension Prägnanz, and predicted recognition accuracy for one out of the four excerpts in a binominal logistic regression. In addition, the interaction between interpretation style and participants‘ own experiences of playing Chopin on the piano contributed to the model. While virtuosity of both interpretive styles was rated equally highly across all excerpts, familiarity with the music had an impact on the perception of Prägnanz. Depending on the composition and on participants‘ experience, historically informed interpretation styles may thus influence memory for musical actions and the perception of Gestalt qualities.
in alphabetical order
We will present the results of a study investigating the perceptual structure of eighteen perceptual dimensions of opposites (e.g. full–empty, hard–soft, light–heavy, long–short, smooth–rough) across the visual, auditory, tactile, gustatory, and olfactory sensory modalities. These structures were defined by three components: two poles (e.g. full and empty) and an intermediate region (e.g. neither full nor empty). The main objective of the study was to determine the extent to which the perceptual structure of opposites is invariant across sensory modalities and, if not, how the structures differ.
Participants took part to the study in small inter-observation groups. First, they were asked to provide examples of contexts in which they could experience each dimension, to confirm whether or not the dimension applied to the five sensory modalities. Participants could refer not only to the objects or experiences in front of them, but also to experiences they had previously encountered and which were familiar to the other group members. Participants then had to describe whether the poles and the intermediates were experienced as a single property (point) or a range of properties – in the case of intermediates they also had the option “no intermediates”.
The results showed that the overall structure of the dimensions was stable in at least two sensory modalities, with many structures remaining stable across more than two modalities. There was particular stability across the visual and tactile modalities, as well as the gustatory and olfactory modalities.
Humans and other animals possess an intuitive sense of number allowing them to rapidly and effortlessly estimate the number of items in a set. Such approximate estimates of numerosity are crucial in a variety of situations, from survival in the wild to more mundane tasks like choosing the queue with fewer people at the supermarket counter. Numerosity is a particularly interesting dimension as it is an emergent global feature of a set, showing properties that are not shared by its constituent elements – effectively making it a “structured whole” different from the sum of its parts. Numerosity perception has been indeed shown to be systematically defined by the organizational principles pioneered by the Gestalt School of Psychology, showing a striking dissociation between the whole and the sum of its parts. Specifically, numerosity perception can be modulated by organizational principles involving the local relationships across different items, like connectedness and proximity, as well as more holistic properties like symmetry and coherence. This modulation occurs in a quantitative and easily measurable fashion, altering the perceived numerosity of a set. Although many studies applied the Gestalt principles to numerosity perception, a review of the different findings is still missing. Here we thus aim at drawing a coherent picture of the literature to better understand how the brain generates our sense of number. Overall, the Gestalt organizational principles have proven to be an invaluable tool for our understanding of numerosity perception, showing the fundamental role that the Gestalt School still plays in contemporary vision science.
The discovery and development of perspective established, for the first time in the history of art, a close relationship between phenomenal perception and the representation of three-dimensionality on a plane. From 1927, the year of the publication of Erwin Panofsky’s text Die Perspektive als „symbolische Form„, the study of perspective in art raised profound epistemological implications, going far beyond perspective itself to address the broader question of the cognitive value of any type of illusory representation of reality. In this context, in the 1960s, Rudolf Arnheim and Ernst H. Gombrich outlined two opposing positions of absolute importance from a psychological point of view: the first was deeply rooted in the theory of form of Gestaltpsychologie, the second anticipated the Cognitive Psychology of Ulrich Neisser.
Ecological psychology of James J. Gibson, in developing the concept of affordance, drew its conceptualization from Gestalt psychology while, at the same time, diverging from it, for example by denying the dynamic dimension intrinsic to Gestalt theory. According to Gibson, in fact, affordance does not imply a field dynamic between the external object and the self, does not require a subjective need as presupposed in the notion of Aufforderungscharakter formulated by Kurt Lewin, but is instead centered on the possibilities for action offered by the environment to the perceiving organism.
However, the theoretical contribution of Gestalt psychologists, with regard to relational
aspects with objects in the external field, went well beyond Lewin’s fundamental formulation of Aufforderungscharakter. Gestalt psychologists in fact acknowledged different modes of relation with objects.
The present paper clarifies this contribution by distinguishing these modes as conceptual tools in specifying use-relations with artifacts and tools: tertiary-expressive qualities, invitation qualities, actions directly elicited by the object, and actions due to a sedimentation of usage knowledge. This clarification ultimately suggests that Gestalt psychology theorization has included self-environment relational modes far more articulated than Gibson was able to recognize.
Arnheim took many courses with Kurt Lewin in Berlin and was even the first to do experiments with what became the „Zeigarnik“ effect. If one looks at Arnheim’s early psychology of art, it has ambitions to be a complete science – encompassing motivation and cognition. By thinking about not just the work of art, but its embedding within the „life space,“ we can broaden Arnheim’s psychology of art to be truly applicable to broad swaths of world art. By building in spatial (environment) and motivational (directedness to an object) elements, Arnheim’s theory achieves its original Berlin scope with Kurt Lewin.
in alphabetischer Reihenfolge
How do listeners transform sound into meaningful form? This presentation highlights the relationship between musical perception, mental imagery, and action through a cross-cultural free-drawing paradigm, based on over a decade of cross-cultural fieldwork research. Musicians from culturally distinct groups (United Kingdom, Japan, Papua New Guinea, Greece, and a remote community in northwest Pakistan) were asked to produce visual representations of simple melodic stimuli varying in pitch contour and attack rate. Participants were instructed to create marks that would allow a member of their own community to recognise the sound.
Across groups, all participants generated consistent visual representations, suggesting a shared capacity to organise auditory input into coherent perceptual forms and translate these across modalities. However, the organisation of these forms differed markedly. Participants familiar with notational or literate systems predominantly produced symbolic, spatially organised depictions of time and pitch, typically along orthogonal axes. In contrast, non-literate participants tended to produce more iconic representations that did not prioritise linear temporal structure, instead highlighting qualitative or timbral aspects of the sound.
At the same time, spatial organisation cannot be reduced to literacy alone. Even in the absence of shared writing conventions, participants frequently adopted comparable directional layouts when representing temporal structure, suggesting that perceptual Gestalts emerge from an interaction between cultural practices, representational systems, and the affordances of action. The findings show how musicalexperience is imaginatively transformed and enacted through culturally mediated processes of visual representation.
This study examines how background music influences emotional expression in children during a structured art activity. Children often find it difficult to express emotions verbally, making creative activities like painting a useful medium for emotional communication. The study is based on a Gestalt perspective, which views experience as a unified whole rather than separate elements. In this context, listening to music, imagining internal experiences, and expressing emotions through painting are understood as interconnected processes. The research follows an experimental design with two groups: one group completes a ‘paint your emotion’ task with background music, while the other performs the same task in silence. Participants include children aged 8 to 12 years. Emotional expression is assessed through analysis of artwork, self-reported emotional states, and behavioral engagement during the task. It is expected that background music will enhance emotional depth, increase variety in color use, and improve engagement levels. The study also explores how music may evoke mental imagery that influences visual expression. Findings from this research may contribute to the integration of music and art-based approaches in child psychology, education, and therapeutic practices. Overall, the study aims to understand how perception, imagination, and action work together in shaping children’s emotional expression.
Keywords: music therapy, emotional expression, children, Gestalt psychology, imagery, art-based intervention
Music is rarely a solitary experience, yet psychological research on music-evoked imagery and emotion has largely focused on the individual listener. This study asks a simple but underexplored question: does listening together change what we imagine and feel?
Grounded in Gestalt theory’s understanding of experience as an integrated whole, and drawing on the BRECVEM model of music-evoked emotion and contemporary mental imagery research, this study examines how social listening context shapes the vividness, coherence, and emotional quality of music-evoked mental imagery. A within-subject design is used with 25–30 young adults (aged 18–25), each participating in both an individual listening condition (headphones, quiet setting) and a collective listening condition (shared group setting), using matched music stimuli.
Imagery vividness is assessed via a context-adapted version of the Vividness of Visual Imagery Questionnaire (VVIQ), emotional response via the Geneva Emotional Music Scale (GEMS), and pre-post mood via the PANAS-SF. The Tellegen Absorption Scale controls for individual differences in experiential absorption.
We hypothesise that collective listening will produce greater emotional resonance and more coherent imagery reflecting a shared experiential field, while individual listening will support more vivid, personally elaborated imagery. These are understood as two distinct modes of Gestalt formation — one shaped by co-presence and convergent meaning-making, the other by immersion in idiosyncratic imagery.
By situating music listening within its social context, this study speaks directly to the conference’s interest in the mediations between Gestalt, imagery, and action — and to the question of how the conditions under which we listen shape the inner worlds that music builds.
Key words: Mental imagery, imagery vividness, music-evoked emotion, collective listening, Gestalt theory, experiential absorption, emotional resonance, social context
Helga De la Motte-Haber (2026) referred Ganzfeld experiments to Wolfgang Metzgers work in the 1930s. Participants in his set up after a while developed hallucinations because of sensory deprivation. The concept was revived in 1968 by James Turrell and others for an Art and Technology Program project at the UCLA and later at the Los Angeles County Museum of Art (Salter 2015). Salters derives the general question: “What happens to the `sensing self´ and its embodiment in audio-visual environments that overload or reduce our perception?”
Research has demonstrated that musical soundtracks can influence the emotional impact, interpretation, and remembering of visual information as well as a reverse relationship meaning that visual information influences the perception and memory of music (Boltzt et al. 2009). Previous research has also indicated that, compared to audio-only presentation, audio-visual congruent presentation can lead to a more intense emotional response. The results suggest that the effect of audio-visual integration is stronger when the music is positive, (Pan & Zhang, 2019).
Randomness is an emotionally neutral stimulus and therefore a proper candidate for research on the perceptional impact of the visual stimuli on music/ sound or vice versa.
Handel (2006) described the conceptual similarities and differences between auditory and visual perception. For both, all sensations are understood to belong to objects and are understood with respect to the properties of objects. However, there is always inherent uncertainty about the multiple stimulus properties. To maximize performance, all sensory systems encode energy at multiple resolutions to make use of several spatial and temporal scales simultaneously.
Another fundamental problem for the auditory and visual systems is that the range of external energy is far greater than the firing range of individual neurons. Weber`s law demonstrates the invariance of discrimination across the energy levels. And the perceptual system must overcome the external and internal noise that disrupts perception as perceptual efficiency refer to the ability to identify objects in the presence of such noise. Auditory excitations that start at the same time (onset synchrony) are assumed to come from one source is mostly relevant for the organization of auditory excitation.
As the excitations from different sources are intermixed the excitations can be organized in several ways to yield different precepts. The Gestalt psychologists proposed laws of organization due to cortical field forces that acted to knit the visual excitations into continuous enclosed objects. The resulting objects (percepts) were described as the “simplest” possible and, although never clearly defined formed along category Prägnanz.
Generally one can say that the input of noise changes the signal-to-noise ratio of the perceptual process. Besides internal noise due to uncertainty the randomisation of acoustic and visual stimuli amplifies the mentioned noisy component of perception so that it can be examined whether and how the process of Gestaltbildung is influenced.
in alphabetischer Reihenfolge
This paper introduces the “experience-score” that I am developing as an artistic research method for tracing the processual formation of experiential structures in musical improvisation. Conceived as a non-verbal, post-performative transcription, the method draws on meditation and micro-phenomenological techniques to reconstruct the ephemeral, multi-layered experience of performing (improvisation), making accessible otherwise elusive strata of embodied, cognitive, and affective processes.
In contrast to atomistic models of perception, the study mobilizes Gestalt theory to
conceptualize improvisation as the dynamic organization of relational wholes. Principles such as proximity, similarity, continuity, closure, and Prägnanz are approached as operative forces within the musician‘s lived experiential field. During heightened states of flow, this field may dissolve stable subject–object relations, giving rise to intensely structured yet fragmented, multisensory constellations of imagery and sensation.
Building on Rudolf Arnheim’s concept of perceptual fields structured by tension, balance, and directional forces, the paper shifts focus to the performer’s interaction with emerging musical material. Musical meaning arises relationally through fragmentary, historically coded signifiers whose interconnections generate coherent yet non-explicit expressive structures.
Findings from my previous studies on collaborative improvisation further suggest that such experiential Gestalten are not only internally constituted but can extend into shared, relational fields of empathy and collective flow. By translating embodied and imagined experience into visual form, the experience-score creates a temporal cartography of performance, bridging individual and collective dimensions of musical experience.
Electronic Dance Music (EDM) systematically influences dancers‘ action tendencies through the modulation of timbre, amplitude, and rhythmic density. Tension and kineasthetic imagery are affected through „break routines“, consisting of breakdown (low-pass filtering to attenuate the primary pulse), build-up (progressive increases in energy, timbral brightness, and rhythmic density), and drop (the bassline and main beat is re-introduced, often with additional energy). The break routine operates as a continuous mechanism of tension and resolution, where dancers during the buildup are maintained in suspense for the anticipated release (the drop). For instance, the reduced pulse clarity at the breakdown, acoustically like being under a blanket, can be referred to by dancers as being „constricted“. As the buildup progresses, so does the tension and, eventually, the drop serves as a powerful resolution, with a clear action and pleasurable responses, reported in laboratory settings as well.
Notably, EDM production techniques achieve this effect through dynamic modulation of timbre, amplitude, and rhythmic density, whereas most models of tonal tension are based on discrete pitch relationships. We here present a model of musical tension in EDM departing from Gestalt grouping principles. Based on extracted acoustic parameters, the model formalizes violations of grouping principles of pitch proximity, timbral similarity, and temporal proximity, delineating a perceptual model of tension. The model was validated against continuous ratings of perceived tension and compared with motion data from published studies.
Music often captures attention, evokes emotions, invites bodily movement and makes us feel connected with other people. Yet these experiential qualities do not always emerge in the same way: the same music may, at one instance, elicit intense emotions, and at another, primarily engage movement or social connectedness. On psychological level, such experiences frequently associated with altered attention states (AAS) such as absorption, immersion and flow. However, in the literature, these terms are often used inconsistently and interchangeably, creating conceptual ambiguity and methodological challenges. For instance, absorption have been described both as a trait and a state, whereas flow is more consistently associated with action and a balance between skill and challenge.
As a result, it remains unclear (1) what these states consist of, (2) how they have been described and operationalised in musical contexts, and (3) how they relate to the affective, bodily, and social dimensions of musical experience.
This paper presents a critical integrative literature review on AAS during musical engagement. It examines how such states have been conceptualised, which characteristics have been used to define them, and how they have been operationalised across previous studies. Particular attention is given to the roles of context, affective, psychological, behavioural, and social details. We propose that these states may be better understood by using Gestalt theory as an integrative framework, helping to identify recurring patterns across AAS, including interactions between environmental context and psycho-behavioural experiences, and to clarify why the same music can engage listeners in different affective, bodily, and social ways.
Early contributions to Gestalt theory developed in close relation to research on music and melody perception (Carl Stumpf; Christian von Ehrenfels) and thus inherently engaged with temporal aspects of perceptual organization. Nevertheless, the temporal properties of Gestalt formation have since received comparatively little attention. While Gestalt theory has exerted a significant influence on the visual arts (Rudolf Arnheim) and on theories of science (Ludwik Fleck), its relevance for temporally structured phenomena and for music research remains underexplored.
In line with central Gestalt-theoretical positions, more recent enactivist approaches in cognitive science emphasize that perception is fundamentally action-oriented (Shaun Gallagher). Making sense in the world requires active engagement with the environment and interactions with objects and people. However, the field of possible Aufforderungscharaktere (Kurt Lewin) that individuals actualize varies according to time-related factors such as experiences, knowledge, skills, and constraints.
Such dispositions are not only co-constituted by past experiences but also by anticipations of the future, as discussed in predictive processing accounts. The perception of Gestalten is therefore shaped by emerging imaginations and experiential excess that Gaston Bachelard describes as exagération. Gestalten thus emerge due to conditions that extend beyond the „here and now.“
Particularly in live musical performance, both past experience and the anticipated future contribute to the perception of multimodal Gestalt objects. This applies both to microtemporal (e.g. familiarity, structural expectations) and to macrotemporal dimensions (music-evoked autobiographical memories). The talk examines the explanatory potential of these models for Gestalt-oriented analyses in music research.
Neuere Forschungen zu crossmodalen Korrespondenzen haben gezeigt, dass Hörer musikalische Klänge kultur- und entwicklungsübergreifend konsistent mit visuellen, emotionalen und semantischen Merkmalen verbinden. Ausgehend von Studien zu Prokofjews Peter und der Wolf, Saint-Saëns’ Karneval der Tiere sowie aktuellen Arbeiten zu multisensorischen Zuordnungen von Konsonanz und Dissonanz untersucht dieser Vortrag, wie musikalische Struktur, Klangfarbe und Intervallbeziehungen audiovisuelle und affektive Assoziationen prägen. Ich argumentiere, dass diese Befunde die Existenz robuster multisensorischer Organisationen unterstützen, die Musikperzeption, begriffliche Repräsentationen und emotionale Bedeutung miteinander verknüpfen. Zugleich werfen sie weiterführende Fragen nach den Ursprüngen und Mechanismen musikalischer Semantik auf.
Systematische Beziehungen zwischen auditiven Eigenschaften und musikalischen Charakteristika einerseits sowie Qualitäten anderer Sinnesbereiche andererseits könnten zur Bildung außermusikalischer Bedeutung beitragen. Obwohl dies ein lebendiges Forschungsfeld innerhalb der experimentellen Psychologie und der Neurowissenschaften darstellt, bleiben viele grundlegende Fragen offen. Lassen sich sensorische Wechselwirkungen in musikalischen Werken nachweisen, und wenn ja, wie können solche Praktiken in ihren historischen oder kulturellen Kontext eingeordnet werden? Könnten Erkenntnisse über crossmodale Beziehungen musikalische Kreativität fördern? Und schließlich: Würden cross-sensorische Erweiterungen von Zuhörern in physischen oder digitalen Umgebungen geschätzt werden, und welche Rolle spielen dabei Kongruenz beziehungsweise Inkongruenz für die Gestaltung multisensorischer musikalischer Erfahrungen?
Verbindung von Wahrnehmen, Fühlen und Denken: Ein Bayes’sches Modell crossmodaler Korrespondenzen mit Musik
Crossmodale Korrespondenzen mit musikalischen Eigenschaften – sowohl in isolierter Form als auch in musikalischen Kontexten – wurden umfassend mithilfe verhaltenswissenschaftlicher Experimente untersucht. Diese Experimente haben robuste Zusammenhänge zwischen Eigenschaften wie Tonhöhe und vertikaler Position, Größe und Schärfe eines Objekts, Spannung, Helligkeit und Geschwindigkeit sowie weiteren Merkmalen gezeigt. Darüber hinaus konnten verschiedene Ursprünge dieser Assoziationen identifiziert werden.
In musikalischen Kontexten spielen zahlreiche Faktoren eine Rolle dabei, welche multimodalen Erfahrungen Zuhörerinnen und Zuhörer (oder Ausführende) machen. Dadurch werden die jeweils hervortretenden Korrespondenzen für einen bestimmten Kontext und eine bestimmte Person eher probabilistisch als deterministisch. Ziel dieses Beitrags ist es, diese probabilistische Natur crossmodaler Korrespondenzen mit Musik zu untersuchen und dabei die Bayes’sche Regel zur Modellierung solcher Assoziationen einzusetzen.
Die Bayes’sche Regel wird angewandt, um musikalische Eigenschaften mit entsprechenden Korrespondenzen zu verknüpfen. Dabei werden der Informationsgehalt einer Eigenschaft, die Wahrscheinlichkeit der Korrespondenz sowie der Grad der Evidenz für diese Korrespondenz berücksichtigt. Die Anwendung der Bayes’schen Regel und ihre Vorhersagen werden anhand einer Reihe musikalischer Beispiele evaluiert. Diese Modellierung wirft neue Fragen im Zusammenhang mit multimodalen Musikerfahrungen auf und schlägt zugleich einen möglichen Mechanismus vor.
Die Stärke dieses Ansatzes liegt darin, dass er eine formale Untersuchung der Einflussfaktoren multimodaler Musikerfahrungen ermöglicht. Unterschiedliche Modelle können dabei verschiedene Vorhersagen generieren, beispielsweise indem Emotionen als Quelle von Korrespondenzen hervorgehoben oder Erwartungen im Vorhinein definiert werden.
Auditive Morphodynamik: Ein Gestalt-basierter Ansatz zur Erforschung audiovisueller Assoziationen in der Klangkunst
Die Forschung zu crossmodalen Assoziationen – insbesondere zwischen auditiven und visuellen Bereichen – hat in den letzten Jahren erheblich zugenommen. Solche Assoziationen beruhen auf zahlreichen Faktoren, die von frühen Wahrnehmungsprozessen bis hin zu höheren kognitiven Schlussfolgerungen sowie emotionalen und umweltbedingten Einflüssen reichen. Das aufkommende Konzept der Morphodynamik von Reizen bietet einen neuen Rahmen zur Untersuchung crossmodaler Korrespondenzen, indem es sich auf die sich entwickelnden Eigenschaften eines Reizes sowie auf dessen qualitative und quantitative Kontinuitäten und Diskontinuitäten konzentriert. Abhängig von der morphodynamischen Komplexität können solche Assoziationen aus unterschiedlichen wahrnehmungsbezogenen Ähnlichkeiten entstehen – von strukturellen Übereinstimmungen bis hin zu konzeptuellen Analogien.
Dieser Beitrag untersucht Morphodynamik anhand eines Gestalt-basierten Paradigmas, das Wahrnehmungserfahrung sowohl mit den strukturellen Eigenschaften als auch mit der phänomenalen Erscheinungsweise eines Reizes verbindet. Morphodynamische Muster können komplexe Informationen vermitteln, die aus der zeitlichen Entwicklung sensorischer Reize hervorgehen. Aufbauend auf empirischen Studien des Autors untersucht der Beitrag die Fähigkeit auditiver Reize, nicht-auditive Informationen zu transportieren. Die Ergebnisse zeigen, dass Teilnehmende musikalische sowie eigens vorbereitete Klangmaterialien (d. h. elektronisch synthetisierte abstrakte Klänge) konsistent mit mentalen Bildern verbinden, die spezifische Materialeigenschaften wie Viskosität oder Elastizität widerspiegeln, ebenso wie mit visuellen Darstellungen von Objekten, die diese Eigenschaften verkörpern.
Im Zentrum dieser Studie steht die Annahme, dass nicht-referenzielle abstrakte Klänge allein durch ihre morphodynamische Entwicklung Vorstellungen der realen Welt hervorrufen können. Dieser Befund zeigt, dass Klangmuster nicht-auditive Informationen vermitteln können und dabei einen Wahrnehmungsmechanismus offenlegen, der über referenzielle Bedeutung hinausgeht. Eine solche Perspektive eröffnet neue Wege zum Verständnis ästhetischer Wahrnehmung in der Klangkunst und legt nahe, dass bestimmte Musikgenres und Klangpraktiken – insbesondere solche, die Verweise auf physische Kausalität und symbolische Bedeutung minimieren – aufgrund ihrer dynamischen Form als inhärent bedeutungsvoll erlebt werden können.
Das Meta-Schema: Zwischen Gestaltwahrnehmung, crossmodalen Korrespondenzen und multimodaler Semantik
An der Schnittstelle von Gestaltwahrnehmung, kognitiver Psychologie und Linguistik schlägt dieser Beitrag ein neues Konstrukt vor, das der Konzeptbildung zugrunde liegt: das Meta-Schema.
Der gemeinsame Nenner von Gestalttheorie, der Forschung zu crossmodalen Korrespondenzen sowie der Untersuchung von Bildschemata in der kognitiven Linguistik liegt im Fokus auf der aktiven Konstruktion von Erfahrung durch das kognitive System. So motiviert die Gestaltwahrnehmung organisierte Konfigurationen aus verstreuten Lichtmustern, etwa „einen gezackten Stern“. Bildschemata bewahren solche Konstrukte als Vorlagen zur Bildung metaphorischer Bedeutungen (z. B. „eine gezackte Erinnerung“). Schließlich erklären crossmodale Korrespondenzen sowohl, wie sich ganzheitliche Wahrnehmung von einer Modalität auf eine andere ausdehnt (wie oben: von der visuellen Wahrnehmung zur Sprache), als auch, wie eine solche etablierte Verbindung auf natürliche Weise weitere multimodale Bedeutungen motiviert (z. B. eine „gezackte“ musikalische Klangfarbe).
Der vorliegende Ansatz geht noch einen Schritt weiter in Richtung Abstraktion, indem er behauptet, dass einige scheinbar kultur- und sprachübergreifend getrennte Bildschemata – etwa VERTIKALITÄT, AUSDEHNUNG und QUELLE–PFAD–ZIEL – tatsächlich auf einem einzigen System höherer Ordnungsprinzipien beruhen. So basieren Tonhöhen, die in manchen Sprachen „nach oben“ gehen, in anderen jedoch „schrumpfen“, sich „im Kreis bewegen“, „kleiner“ oder „leichter“ werden, alle auf einem geordneten System primitiver Vorstellungen: typischerweise einem Objekt, das sich von Punkt A nach Punkt B bewegt oder transformiert, der Kraft, die nötig ist, um das Objekt in Bewegung zu setzen, der Energie zur Aufrechterhaltung der Bewegungsrichtung sowie der Zerlegung in „Einheiten“, um die Schritte dieser Bewegung zu markieren.
Im Vortrag werde ich illustrieren, wie dieses „Meta-Schema der Tonhöhenentwicklung“ anhand von Wahrnehmungsexperimenten, historischen Texten, anthropologischen Befunden und multimodalen Materialien (z. B. Opernaufführungen oder Albumcovern) erkennbar wird.
Leitung: Herbert Fitzek / Marianne Soff
In diesem Panel wird die „Berliner Schule der Gestalttheorie“ und ihre Blütezeit im Psychologischen Institut der Friedrich-Wilhelms-Universität in den Jahren 1922-1935 im Mittelpunkt stehen – von Räumen im Schloss, der damaligen Atmosphäre und Zusammenarbeit, bis hin zu wissenschaftlichen und Praxis-relevanten Weiterentwicklungen bis in die Gegenwart.
Nach dem Zusammenbruch des Kaiserreichs machte auch die Wissenschaft in der Weimarer Republik eine neuen Anfang. Die Gestalttheorie fand dafür in den Räumen des Psychologischen Institutes der Friedrich-Wilhelms-Universität im ehemaligen Hohenzollernschloss besonders exponierte Bedingungen. Wir möchten rekonstruieren, wie das Institut sich im Schloss einrichtete: Wie lebten, arbeiteten und forschten Köhler, Wertheimer, Lewin? Welche Räume belegten Sie? Was waren ihre Arbeitsschwerpunkte? Wer arbeitete mit ihnen zusammen? Welche Doktorandinnen und Doktoranden forschten in den Räumen? Wer gehörte außer den Vertretern der Gestalttheorie zum Institut? Und was spielte sich um das Schloss herum ab? Wie fügte sich die Gestalttheorie in die Berliner Kultur der 20er Jahre ein?
Im Einführungsbeitrag zum Panel geben wir einen Überblick über die Forschungs- und Arbeitsbedingungen der in der Gestalttheorie Engagierten im Berlin der 1920er Jahre anhand eines konkreten (virtueller) Einblick in deren Wirkungsstätte im ehemaligen Hohenzollernschloss.
Lewin war eine der zentralen Persönlichkeiten am Berliner Institut für Gestaltpsychologie. 1928 hielt er einen Vortrag zum Thema „Die Entwicklung der experimentellen Willenspsychologie und die Psychotherapie“ beim III. Allgemeinen Ärztlichen Kongress für Psychotherapie in Baden-Baden. Lewin zeigte in seinem Vortrag dem ärztlichen Publikum auf, dass lebensnah eingesetzte experimentelle Forschung auch für die Prüfung psychodynamischer Zusammenhänge ein sinnvolles Vorgehen sein kann. Beinahe 100 Jahre danach sind die Forschungsergebnisse aus den Untersuchungen zur Handlungs- und Affektpsychologie – bekannt auch unter dem Namen „Berliner Experimente“ – nach wie vor aktuell und relevant.
In der Gestalttheoretischen Psychotherapie (GTP), die sich in der Tradition der Gestaltpsychologie versteht, wurden wesentliche Ergebnisse aus dem systematisch aufgebauten Experimentalprogramm aufgegriffen und auf das Feld der Psychotherapie übertragen. Exemplarisch werden folgende Themenbereiche, denen in der Psychotherapie eine wichtige Bedeutung zukommt, erörtert:
Vorsitz: Mats Küssner (Gustav Mahler Privatuniversität für Musik)
Musik und mentale Vorstellungen umfassen ein breites Spektrum an Phänomenen – von spontan entstehenden Erzählungen und Erinnerungen bis hin zu körperbezogenen Vorstellungen und therapeutischen Anwendungen. Dieses Panel vereint empirische, theoretische und klinische Perspektiven darauf, wie Musik Bilder, Bewegungen, Geschichten und symbolisches Erleben prägt.
Dabei wird auch eine dezidiert gestaltpsychologische Frage aufgeworfen: Wie organisiert musikalisches Erleben unterschiedliche Elemente der Vorstellungskraft zu bedeutungsvollen und kohärenten Ganzheiten.
Labor- und Online-Studien haben gezeigt, dass Musik mentale Bilder beeinflusst und Imaginationen lenkt. Verfahren der natürlichen Sprachverarbeitung (Natural Language Processing, NLP) haben sich als nützlich erwiesen, um die Inhalte solcher Imaginationen zu untersuchen. Dabei wurde sichtbar, dass Hörerinnen und Hörer innerhalb kultureller Kontexte bei narrativen Interpretationen musikalischer Ausschnitte zu gemeinsamen Vorstellungen konvergieren (Margulis et al., 2022). Allerdings wurden NLP-Ansätze bislang noch nicht auf Imaginationen angewandt, die durch Live-Musik hervorgerufen werden – also in Situationen, in denen die Demografie des Publikums stärker variiert und die musikalischen Stimuli deutlich länger sind als die in laborbasierten NLP-Paradigmen üblichen 30–90 Sekunden langen Ausschnitte.
Dieser Vortrag präsentiert eine Analyse frei formulierter Imaginationen, die während eines Live-Kammermusikkonzerts hervorgerufen wurden. Das Konzert war Teil einer professionell veranstalteten Abonnementreihe und umfasste Werke von Beethoven, Brahms und Stephen Hough. Die Zuhörerinnen und Zuhörer füllten einen schriftlichen Fragebogen aus, in dem sie autobiografische Erinnerungen und fiktive Geschichten beschrieben, die sie mit bestimmten musikalischen Sätzen verbanden. Wichtig dabei ist, dass die Teilnehmenden nicht im Vorhinein rekrutiert wurden: Sie wurden direkt vor Ort eingeladen, den Fragebogen auszufüllen, wodurch eine reale Konzertbesucherpopulation untersucht werden konnte. Insgesamt wurden 447 Erzählungen von 167 Personen gesammelt.
Analysen mithilfe von Satz-Embeddings (SBERT) sowie Wort-Embeddings (word2vec) zeigten, dass die Imaginationen durch den musikalischen Inhalt gelenkt wurden. Innerhalb einzelner Sätze waren die individuellen Imaginationen signifikant ähnlicher zum Durchschnitt aller anderen semantischen Embeddings desselben Satzes (dem Gruppen-„Konsens“) als zu den durchschnittlichen Embeddings anderer Sätze. Konkret zeigte die Mixed-Effects-Modellierung einen signifikanten Haupteffekt für den Vergleich zwischen innerhalb- und außerhalb-des-Satzes-Ähnlichkeiten (SBERT: β = 0,06, SE = 0,01, t = 9,75, p < .001; word2vec: β = 0,04, SE = 0,01, t = 6,65, p < .001). Darüber hinaus wird auch der semantische Gehalt auf Ebene einzelner musikalischer Sätze diskutiert.
Die Ergebnisse erweitern bisherige Forschung auf ein naturalistisches Paradigma mit vollständigen Musikstücken und zeigen, dass selbst in realitätsnahen Kontexten individuelle Imaginationen durch musikalische Merkmale geprägt werden und zugleich in hohem Maß geteilt sein können.
Im Mittelpunkt meines Beitrags stehen Bewegungs-Gestalten des Körpers als Grundlage mentaler Bilder musikalischen Klangs – in dem, was ich als Klang-Bewegungs-Objekte (sound-motion objects) bezeichnet habe. Eine vertiefte Betrachtung der Eigenschaften klangerzeugender Bewegungen kann uns eine breitere ökologische Grundlage für das Verständnis von Gestaltbildung in musikalischer Imagination liefern.
Es lässt sich zeigen, dass grundlegende Bewegungsprinzipien wie Frequenz, Amplitude und Quantität sowie deren Ableitungen wie Geschwindigkeit, Beschleunigung, Ruck (jerk) und Impulsänderung (snap) in klangerzeugenden Bewegungen enthalten sein können. Ebenso können Prinzipien der motorischen Kontrolle wie Koartikulation und Phasenübergänge präsent sein. Daher kann angenommen werden, dass all diese Aspekte – in unterschiedlichem Ausmaß – integrale Bestandteile musikalischer Imagination darstellen, in dem, was ich als motormimetische Imagination bezeichnet habe.
Mein zentraler Punkt ist, dass diese bewegungsbezogenen Eigenschaften real sind, insofern sie tatsächlichen musikalischen Aufführungen angehören. Gleichzeitig entziehen sie sich jedoch häufig konventionelleren, notenzentrierten westlichen Vorstellungen musikalischer Imagination.
Schizoid strukturierte Klient:innen stellen in der verbalen Psychotherapie häufig eine besondere Herausforderung dar – aufgrund ihrer Tendenz zu emotionalem Rückzug, Dissoziation und Intellektualisierung. Obwohl sie oft über ausgeprägte Reflexionsfähigkeiten verfügen, kann die Herstellung emotionalen Kontakts innerhalb von Ansätzen wie der Gestaltpsychotherapie schwierig sein, was nicht selten zu therapeutischer Stagnation führt.
Dieser Vortrag untersucht, wie Guided Imagery and Music (GIM) die therapeutische Arbeit mit schizoid strukturierten Klient:innen unterstützen kann, indem emotionales und symbolisches Material zugänglich gemacht wird, das über verbale Interaktion allein nicht erreichbar bleibt. GIM nutzt Musik, um veränderte Bewusstseinszustände und spontane Imaginationen zu fördern, wodurch Klient:innen ihre inneren Erfahrungen über Bilder, Metaphern und narrative Prozesse erkunden können.
Schizoid strukturierte Menschen verfügen häufig über ein reiches inneres Fantasieleben, das nicht ausschließlich als Abwehrmechanismus verstanden werden sollte, sondern auch als therapeutische Ressource genutzt werden kann. GIM eröffnet einen direkten Zugang zu dieser imaginalen Welt, in der Klient:innen emotional bedeutsamen Inhalten und Beziehungsthemen in einer weniger bedrohlichen, nonverbalen Form begegnen können.
Der Vortrag zeigt auf, wie GIM innerhalb eines gestalttherapeutischen Rahmens integriert werden kann und den Übergang von imaginalem Erleben zu relationaler Verarbeitung unterstützt. Klinische Einblicke veranschaulichen, wie Musik und Imagination emotionalen Zugang, symbolischen Ausdruck und eine stärkere Integration fördern können, indem sie die Kluft zwischen kognitiver Einsicht und gelebter emotionaler Erfahrung überbrücken.
Neuere Forschung zeigt, dass spontane Gedanken während des Musikhörens lebhafte autobiografische Erinnerungen und fiktionale Imaginationen umfassen. Menschen haben das Gefühl, dass ihre Imaginationen idiosynkratisch und persönlich sind, doch Analysen freier Beschreibungen zeigen, dass sie innerhalb einer Kultur tatsächlich weitgehend geteilt werden – selbst dann, wenn sie durch neue und unbekannte Musikausschnitte ausgelöst werden. Neben den gemeinsamen Inhalten entfalten sich diese Imaginationen auch in einer gemeinsamen zeitlichen Struktur. Theoretische und methodische Fortschritte bei der Untersuchung spontaner Gedanken während des Musikhörens eröffnen somit eine einzigartige Perspektive auf unwillkürliche mentale Imaginationen, die subjektiv erlebt werden und zugleich strukturell mit dem musikalischen Reiz verbunden sind.
Die in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts von Wilhelm Salber entwickelte Psychologische Morphologie ist Grundlage der psychologischen Lehre und Forschung an der BSP Business & Law School in Berlin und Hamburg. Aus tiefen- und gestaltpsychologischen Grundlagen entstand ein Konzept, das (radikal) bei den Formenbildungen des Alltags und der Kultur ansetzt und insbesondere Phänomene der Wirtschaft, der Medien und des Sports psychologisch ergründet. Wie konkret vorgegangen wird, zeigen Beispiele aus der morphologischen Forschung.
Prof. Dr. Dirk Blothner: Psychologie betreiben mit dem Zeichenstift – Wilhelm Salbers psychologische Skizzen
Prof. Dr. Björn Zwingmann: Morphologische Filmanalyse von „Air – Der große Wurf“ (Ben Affleck, 2023)
Prof. Dr. Johanna Hodde: Zwischen Anarchie und Diktatur: Kunsterfahrung als Kulturparameter am Beispiel eines Gemäldes „Der Heilige Hain“ (1882) von Arnold Böcklin
Dr. Sven Giebel: Vorgestaltanalyse und Werbewirkung
Prof. Dr. Andreas Marlovits: Spielgestalten – Morphologische Analyse von Fußballspielen
in alphabetischer Reihenfolge
The paper examines the political detours of Berlin Gestalt theory in the context of anti-fascist exile and colonial critique. Drawing on the history of media and science, it compares the Gestalt-based works of psychologist Werner Wolff and psychiatrist Frantz Fanon. By bringing together two heterogeneous settings—Wolff’s research on alienation in European exile between1933 and 1940 and Fanon’s critical analysis of colonial alienation from 1952 to 1960—the paper shows how their work is connected through histories of migration and the shared integration of Gestalt theory and alienation into media-based epistemologies. Instead of tracing a linear genealogy from Wolff to Fanon, the project highlights the epistemological shifts that emerged from their application of Gestalt theory in political contexts, radically expanding its original scope. These shifts are inseparable from the social experiences of exile and alienation and unfold in dialogue with contemporary media practices. Therefore, the project explicitly emphasizes the role of political systems, social structures, and media technologies as resources of Gestalt knowledge. At the same time, it highlights that Gestalt knowledge as a resource had a lasting impact on institutional practices and political movements. To reveal this neglected chapter in the history of Gestalt theory, the paper builds on archival work conducted in the United States and France. The work is part of my doctoral project, which I will begin in September 2026 under the supervision of Prof. Viktoria Tkaczyk at the Max Planck Institute for the History of Science.
The objective of this study is to develop conceptual and empirical tools for defining the auditory equivalents of visually perceived form and material. To provide an empirical basis, the study is anchored in the well-studied „similarity with enlargement“ model, developed by Gestalt psychologist Erich Goldmeier. The study suggests auditory analogues to the model, which are tested empirically and yield results comparable to those Goldmeier and other researchers observed in vision.
Investigating the auditory equivalents of visual form and material presents significant challenges due to differences between the modalities. In the visual context, form and material are associated with structures in two and three dimensional space, whereas in the auditory context, time and perceptual aspects of sound such as pitch, loudness, and duration are one-dimensional. The study addresses these challenges by offering new definitions of visual form and material grounded in their unique perceptual features — features that can be identified in audition as well.
The study discusses the methodological steps leading to the creation of these auditory analogues. In doing so, it offers a cross-modal framework for understanding perceived form and material and explores fundamental questions concerning the nature of cross-modal analogies between vision and audition.
Is the rapidly advancing use of AI in film production more of a utopian or a dystopian scenario? While the joint strike by Hollywood screenwriters and actors in the summer of 2023 suggests the latter, an increasing number of entrepreneurs are in an optimistic mood: improving motion capture, creating deepfakes, replacing extras with virtual doubles from a catalog, digitally preserving movie stars and thus making them immortal, and, last but not least, cutting production costs by more than half. What sounds like a savior for small productions in particular—because the possibilities for storytelling are multiplied to infinity—is countered by Leslie Malton, chair of the German Actors’ Association, as follows: “What happens in that moment in front of the screen or on stage, cannot be created by AI because it happens in that moment. And that is what makes it alive.”
Most Gestaltist approaches to film are cognitive and, therefore, cannot properly grasp the state of being alive Malton addresses. This state is nothing other than the vitality examined by the American psychologist Daniel Stern. It focuses on movement and encompasses space, time, force, and directionality. Stern has succeeded in linking the humanities and social sciences by drawing on a theoretical foundation in phenomenology. His research on vitality and the “present moment”—that is, on what happens in that moment—not only provides an answer to the question posed at the outset but also serves as a starting point for investigating vitality forms as affective Gestalts in film psychology.
Dipl.-Psych. Johann Pibert is a doctoral candidate in media studies at the University of Bonn. He is currently transferring the affective film psychology he developed to theater, pop concerts, and other performing arts. He was previously a personal assistant to the president of the Ernst Busch University of Theatre Arts in Berlin and a research assistant at the Film University Babelsberg KONRAD WOLF in Potsdam. He studied psychology and business administration at the University of Mannheim and film studies as well as journalism and communication studies at the Free University of Berlin.
This paper offers a comparative analysis on musical “inner hearing,” as outlined by American music pedagogue Edwin E. Gordon (1927-2015) in his text Learning Sequences in Music (8th ed., 2012), alongside writings by German composer Paul Hindemith (1895-1963) including Elementary Training for Musicians (1946) and A Composer’s World (1952). Their statements will be presented alongside more recent research, which illumines that inner hearing is not experienced equally, but rather runs on a spectrum from silent to highly vivid.
Gordon coined the term “audiation” in 1975, defined as a process where one thinks of music in the mind, experienced as actual sound, while also understanding its musical context. Gordon concluded that audiation is the cornerstone of musical aptitude, thus the music classroom should focus on developing audiating skills. This is accomplished through using rhythmic and tonal “patterns” as teaching tools. Gordon’s theory of musical learning, Music Learning Theory (MLT), synthesizes concepts from language learning, reading development, behavioral and Gestalt psychology, Piaget’s stages of development, and Gagné’s conditions of learning, alongside his experiences in studying jazz bass. He identified eight types of audiation and six stages of audiation development, supporting tasks including performance, notation reading, composing, improvisation, and beyond.
In contrast, Hindemith’s reputation rests largely on his compositional works alongside pedagogical writings for adults. He explains the composer’s process of musical conceptualizing, requiring advanced inner hearing abilities. Though it is unlikely that these two men ever encountered one another, both articulated congruent ideas on musical inner hearing.
Sebastian Klotz, Paola Tenchini, Serena Cattaruzza, Walter Coppola, Julia Kursell, Riccardo Martinelli, Savina Raynaud
Unter Berücksichtigung der Orte und Infrastrukturen, die Carl Stumpfs philosophisches Denken prägten, untersucht dieser Aufsatz, wie er ein Gleichgewicht zwischen seinem erkenntnistheoretischen Programm und den experimentellen sowie materiellen Verfahren wahrte, die er aus phänomenologischer Sicht betrachtete. Im Streben nach einer allgemeinen Urteilstheorie und einer umfassenden Erkenntnistheorie, die sowohl die logischen als auch die perzeptiven Dimensionen des Wissens integrierte, bezog er verschiedenste Phänomene in seine Arbeit ein: Klänge von Musikinstrumenten, durch Phonographen und Telefone vermittelte Sprach- und Musiklaute sowie eigens konstruierte große Versuchsaufbauten – etwa das Interferenzsystem zur Erforschung der Vokalbildung und -wahrnehmung. Zudem führte er interaktive Interview- und Aufnahmesitzungen zum Tonbewusstsein mit außereuropäischen Musikern durch, wobei er Tonometer, einheimische und westliche Musikinstrumente sowie Phonographen einsetzte. Die Vielfalt der diskursiven Netzwerke (im Sinne von Friedrich Kittlers „Aufschreibesystemen“) und der damit verbundenen Beobachtungs- und Forschungspraktiken, auf die Stumpf zurückgriff, ist bemerkenswert.
Der Aufsatz legt dar, dass diese Ausrichtung die wachsende Bedeutung der experimentellen Ausbildung von Wissenschaftlern in der Physiologie und Psychologie des späten 19. Jahrhunderts widerspiegelt und Stumpfs philosophische Position maßgeblich geprägt hat. Sie trug wesentlich zur Modernität seiner Wissensproduktion bei. Diese war geprägt von strenger philosophischer Reflexion (Logik, Metaphysik, Eidologie, Phänomenologie, Wissenschaftstheorie), verbunden mit einer programmatischen Offenheit gegenüber allen Orten, an denen Phänomene hervorgebracht wurden – was sich etwa in der Gründung von Forschungsinfrastrukturen wie dem Berliner Phonogramm-Archiv manifestierte. Diese doppelte Ausrichtung ermöglichte es Stumpf, sich auf reflexive und empirisch fundierte Weise mit Phänomenen wie Gestalten und Komplexeindrücken auseinanderzusetzen und diese philosophisch zu erforschen. Dieser Aspekt verdient mehr Aufmerksamkeit, als ihm bislang zuteilwurde.
Im prägnanten Vorwort zu *Sprachlaute* (1926) – einem Werk, das in diesem Jahr sein hundertjähriges Jubiläum feiert – hebt Carl Stumpf die Kernpunkte dieser umfassenden, bereits 1913 begonnenen Untersuchung hervor. Wie Karl Bühler (1927) anmerkte, ließ sich Stumpf zwar von der Lehre seines ersten Lehrers Brentano inspirieren – wonach Sinnesphänomene lediglich die „Rinde“ des psychischen Lebens darstellen –, doch widmete er einen Großteil seiner Forschungstätigkeit, insbesondere seiner experimentellen Arbeit, gerade der Erforschung dieser Phänomene (was an Simone Weils Betonung der „Rauheit“ der Realität erinnern mag). Ein meisterhaftes Zeugnis hierfür ist seine *Tonpsychologie* (1883/90), ein unverzichtbares Fundament der Psychologie von Klang und Musik. Nicht weniger bedeutend ist jedoch sein Werk *Sprachlaute* (mit dem Untertitel *Experimentell-phonetische Untersuchungen*), das an das frühere Werk anknüpft und zugleich weitere, breitere Forschungsfelder erschließt.
Während der schrecklichen Jahre des Ersten Weltkriegs entwickelte und verfeinerte Stumpf – inmitten der surrealen Stille seines Berliner Labors – unzählige Beobachtungen auf dem Gebiet der Akustik; es gelang ihm sogar, die Bestandteile von Flüstertönen zu analysieren. Damit trieb er die phonetische Forschung in der Nachfolge Helmholtz’ voran, ließ sich jedoch vor allem von Wolfgang Köhlers Studien zu Vokalen inspirieren. Der theoretische Kern des Werks befasst sich nicht mit den zahllosen möglichen technischen Anwendungen (von der Medizin bis zur Ingenieurwissenschaft), sondern vielmehr mit der Entstehung sogenannter „Komplexqualitäten“, deren markanteste Beispiele Klangfarben und Vokale sind. Auf dieser Grundlage lässt sich eine wünschenswerte Verbindung zwischen Sprachforschung und Gesangstheorie postulieren, wenngleich – wie Stumpf anmerkt – das Interesse von Sprachtheoretikern an einer solch ungewöhnlichen Untersuchung keineswegs selbstverständlich ist. In seiner *Sprachtheorie* (1934) betrachtet Bühler *Sprachlaute* als das ausgereifte Meisterwerk des Berliner Gelehrten, der zwar den Gipfel der Phonetik erreichte, jedoch nicht den weiteren Schritt zur eigentlichen Phonologie vollzog. Auf diesen und weitere damit zusammenhängende Aspekte wird im vorliegenden Beitrag eingegangen.
Dieser Beitrag untersucht, wie Carl Stumpf die musikalische Komposition in seine Überlegungen einbezieht. Ausgangspunkt ist eine Beobachtung zur melodischen Bewegung, die er im zweiten Band seiner *Tonpsychologie* (1890) schildert. Unter der Überschrift „Qualitative Urteile über komponierte Klänge“ beschreibt Stumpf den Eindruck, dass das Klangbild verschiedener Kompositionen von Beethoven und Schubert als bewegt wahrgenommen wird, obwohl sich einzelne Stimmen in der Partitur nicht bewegen. Davon ausgehend verfolge ich drei Fragestellungen: 1) Wie äußert sich Stumpf zu komponierten Klängen in Bewegung? 2) Wie bettet er seine Bezugnahmen auf Kompositionen an anderen Stellen seiner Publikationen ein? Und 3) wie bringt er seine Erfahrung als versierter Violinist ein? Auf diese Weise erhoffe ich mir erstens Aufschluss darüber, wie sein Konzept des komponierten Klangs mit dem der klanglichen Bewegung zusammenhängt; zweitens, wie sich seine früheren Beobachtungen zu komponierten Klängen in der Musik zu seinem späteren Konzept komplexer Qualitäten verhalten; und drittens, wie Stumpf Belege gewinnt. Meine These lautet, dass die Verweise auf Beethoven und Schubert in *Tonpsychologie II* Teil einer Entwicklung hin zur Erzeugung – statt bloßen Sammlung – von Belegen sind.
Carl Stumpfs intellektuelles Profil wurde lange Zeit durch seine Verbindung zu Franz Brentano überschattet. Eine genauere Betrachtung offenbart jedoch einen Denker, der aus einer Vielzahl von Einflüssen schöpfte – darunter Lotze, Ernst Heinrich Weber und Gustav Theodor Fechner – und diese zu einer eigenständigen und originellen Philosophie verband. Unter diesen Einflüssen ist die Beziehung zu Fechner in der wissenschaftlichen Literatur am wenigsten beachtet worden. Stumpf erkannte Fechners entscheidende Rolle bei der Erneuerung der Philosophie durch die empirische Wissenschaft an, und seine *Tonpsychologie* verbindet methodische Elemente, die sowohl auf Brentano als auch auf Fechner zurückgehen. Zugleich lehnte Stumpf Fechners Zwei-Aspekte-Theorie von Geist und Körper ab und kritisierte deren metaphysische Unklarheit. Entscheidend ist, dass sich beide Denker intensiv mit Spinoza auseinandersetzten und zu verwandten, aber dennoch unterschiedlichen Interpretationen gelangten: Während Fechner den spinozistischen Parallelismus modifizierte, indem er eine kausale Wechselwirkung zwischen den Reihen zuließ, interpretierte Stumpf Spinoza unter dem Gesichtspunkt der Intentionalität neu und sah in der Beziehung zwischen Geist und Objekt eine Alternative zum Parallelismus. Trotz ihrer Unterschiede stimmen Fechner und Stumpf somit darin überein, über den psychophysischen Parallelismus hinauszugehen.
Das Thema des vorliegenden Aufrufs und der Veranstaltungsort Berlin boten die Gelegenheit, mit Wilhelm von Humboldt einen bekannten Berliner (und Gründer der gastgebenden Universität) zu lesen, um einige seiner grundlegenden Beiträge zur Erforschung einer lebendigen menschlichen Fähigkeit hervorzuheben: der Sprachfähigkeit. Diese prägt unsere sprachliche, insbesondere onomatologische/lexikalische Kreativität und interlinguistische Kompetenz auf so unterschiedliche Weise, dass sie als „gestaltisch“ verstanden werden kann.
Ein erster Beitrag gebührt dem Sprachphilosophen Anton Marty, einem Schüler Franz Brentanos, dem Autor der „Psychologie vom empirischen Standpunkt“ (1874).
Wir erinnern auch an die tiefe Freundschaft und berufliche Partnerschaft mit Carl Stumpf, insbesondere in Prag in den frühen 1880er Jahren, einer für beide besonders fruchtbaren und lohnenden Zeit: Marty als Autor der „Subjektlosen Sätze“ und Stumpf als Autor des ersten Bandes der „Tonpsychologie“ (Fisette, 2018).
Eine empirische Perspektive markiert in Martys Werken eine relevante Abkehr von seinem ursprünglichen intellektuellen Ansatz hin zu einem sinnlicheren/erfahrbareren: von der Abstraktion (Thema seines ersten unveröffentlichten Essays von 1867) zur Imagination, von der Begriffsauswahl zum Vergleich sinnlicher Merkmale, die vielfältige und anregende Zugänge zur sprachlichen Symbolisierung eröffnen. [Vergleichen wir beispielsweise das englische Wort „different“ mit dem deutschen „verschieden“: zwei völlig unterschiedliche Bedeutungen für das, was „anderswohin bringt“ (lateinisch dis + fero) bzw. das, was „getrennt ist“ (deutsch ver + scheiden): also Ziel vs. Ursprung.]
Nach seiner ersten aristotelischen Prägung wirkte Marty in einem mehrsprachigen Umfeld, nämlich in Prag, wo Tschechisch (eine slawische Sprache) das „kaiserliche“ Deutsch der Habsburgermonarchie verdrängte, [ganz zu schweigen von der metalinguistischen Auseinandersetzung mit den klassischen Sprachen, die in der Schweiz zur Schule gelernt wurden (Latein und Griechisch), und der Schweizer Mehrsprachigkeit selbst]. Das Thema des Hauptwerks von Wilhelm von Humboldt (Über die Verschiedenheit des menschlichen Sprachbaues und ihren Einfluss auf die geistige Entwicklung des Menschengeschlechts, 1836) zeugt von unterschiedlichen Weltansichten, die verschiedene gleichzeitig auftretende Merkmale desselben Objekts, Ereignisses, derselben Beziehung usw. sowie den intersubjektiven Kommunikationsaustausch in den Mittelpunkt stellen.
Wenn dieses Merkmal, insbesondere Martys figürliche innere Sprachform, die Signifikanten innerhalb jeder historischen natürlichen Sprache prägt, trägt ein weiterer Ansatz dazu bei, unterschiedliche epistemische Zugänge zu derselben Bedeutung zu modellieren.
Um die historiografische Rekonstruktion der Theorie empirisch zu untermauern, werden zahlreiche strukturierte Sprachdaten (Korpora) erwähnt und dargestellt.